Denisas Petersonas pradėjo piešti būdamas ketverių metų, globojamas savo senelio, freskų tapytojo meistro ir artimo Klodo Moneto globėjo. Deniso dailės mokymas ilgainiui apėmė tapybą ir meno restauravimą.
Vykdydamas BFA, Denisas išlaikė tapybos studiją ir restauravo Renesanso meną muziejams. Baigęs koledžą, jis dirbo grafiniu iliustruotoju „Exxon“, kurdamas meną valdybos pirmininkui ir 149 filialams. Vėliau jis lankė Prattą pagal prestižinę mokymo stipendiją, kur įgijo tapybos magistro laipsnį.
Denisas buvo vienas pirmųjų fotorealistų, atsiradusių Niujorke. Jo dideli aerografiniais piešiniais nupiešti figūriniai darbai, parodyti Bruklino muziejuje, išsiskyrė tuo, kad paveikslo rėmelį „apkarpė“ kaip estetinį fotografijos perversmą. Tai buvo naujas požiūris, kurį dabar dažniausiai naudoja šiuolaikiniai figūriniai tapytojai.
Denisas Petersonas yra plačiai pripažintas kaip hiperrealizmo, skilimo meno judėjimo, pagrįsto estetiniais fotorealizmo principais, pradininkas ir pagrindinis architektas. Jis išskyrė hiperrealizmą nuo fotorealizmo, atlikdamas kruopščius kūrinio lauko gylio, spalvos ir kompozicijos pakeitimus, siekdamas pabrėžti socialiai sąmoningą žinią apie šiuolaikinę kultūrą ir politiką.
Gimęs Niujorko menininkas Denisas visą darbo dieną piešia savo studijoje, kurdamas teminių serialų darbus. Jo novatoriškų paveikslų, eksponuojamų viešuose muziejuose ir komercinėse galerijose visoje JAV ir Europoje, aktyviai ieško žinomi kolekcionieriai ir visame pasaulyje žinomi meno mecenatai..
Įkvėpta kino ir fotografijos, literatūros, taip pat muzikos ir šokio, amerikiečių šiuolaikinė menininkė Gina Higgins savo „Film Noir“ tapybos serijoje pademonstravo savo susižavėjimą visais Holivudo dalykais, kupinu žavesio, paslapties, dūmų ir neono.
Gina, gimusi Naujajame Orleane ir užaugusi Los Andželo Holivudo kalvose, Gina aistrą menui ugdė dar labai jauna. Jos miesto tematikos drobės yra elegantiškos ir paslaptingos, neabejotinai paveiktos jos kelionių.
Vie Dunn-Harr gimė San Antonijuje, Teksase 1953 m. Dunn-Harr savo meninę išraišką rado lėtai, tačiau sąmoningai, ir toliau tyrinėja daugybę meno galimybių. Ji studijavo Florencijoje, Italijoje, Lorenzo de Medici Instituto de Arte ir Toblach-Dobbiaco Academia Italia. Didelę savo ankstyvosios patirties patirtį ji įgijo iš tradicinės mokyklos ir toliau laikosi formalizmo. Jos darbai yra organinės formos, įsišaknijusios architektūros elementuose. Formos yra jausmingos ir vaizduoja gamtos jėgą ir trapumą. Dunn-Harr laiko save šiuolaikine realiste ir yra eksponavusi JAV, Europoje ir Meksikoje.
Ali Cavanaugh gimė 1973 m. Sent Luise ir 15 metų dirba profesionaliu menininku. Jos kompozicijos yra stiprios ir intuityvios ne tik dėl to, kad yra žmona ir motina, bet ir dėl skirtingos jos patirties, pvz., Klausos praradimo, kurios privertė ją prisitaikyti prie aplinkinio pasaulio ir jį atkurti.
Išskleidimas
Cavanaugh sukūrė procesą, geriausiai apibūdinamą kaip neo fresco secco, kur gipso plokštėms taiko akvarelę; jos figūras dažnai pabrėžia ryškiai baltos neigiamos erdvės. Susižavėjusi matomo ir nematomo žmogaus dichotomija … kūnu ir siela … Cavanaugh menas išryškina apmąstymų sudėtingumą. Jos parašyti poetiniai pavadinimai yra šio įtraukiančio diskurso dalis.
Gimė ir užaugo žemyninėje Kinijoje, todėl stebina tai, kad ji, būdama skulptoriaus ir tapytojos vaikas, labai anksti parodė susidomėjimą menu..
Po mokyklos ji lankė vakarines dailės pamokas, o po to ketverius metus studijavo interjero dizainą Wu Xi lengvosios pramonės koledže Kinijoje. Baigusi koledžą Danhui Nai persikėlė į Niujorką, kur dirbo tekstilės dizainere. Naktį ji studijavo „Fashion Institute of Technology“, taip pat Paryžiuje išklausė prancūzų kostiumų ir interjero dizaino vasaros kursus.
„Danhui Nai“ dažo įvairiomis priemonėmis, įskaitant akvarelę, guašą, akrilą, aliejus ir tempera. Spalvoms ji naudoja sluoksniavimo techniką.
Danhui Nai gyvena San Francisko įlankos rajone. Ji turi gėlių sodą už savo studijos ir mėgsta piešti sode, kai leidžia oras. Jos senovinės rožės ir kitos gėlės yra tarp mėgstamiausių dalykų.
Joan Marti yra vienas svarbiausių menininkų Ispanijoje. Gimęs Barselonoje, pradėjo savo menines studijas 1950 m. Jo meninis talentas buvo išugdytas ir ištobulintas iš pradžių „Academia de Valls“, o vėliau – „Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi“ Barselonoje.
Jis yra vienas iš oficialių Ispanijos karaliaus Juano Carloso I portretų dailininkų. Operos dainininko Placido Domingo prašymu jis nutapė scenas iš Verdi operos „Otello“, kurioje vaidina Domingo ir sopranas Katya Riccorelli, koncertuojantis Milano „La Scala“.
Šie pasiekimai yra karjeros, pasišventusios technikai ir vieningai estetinei vizijai, rezultatas. Jis yra visų laikmenų meistras: aliejai, pastelės (kurias padėjo atgaivinti Ispanijoje), anglis, rašiklis ir rašalas; jo sugebėjimai perteikti žmogaus figūrą yra neprilygstami. Be žmogaus figūros, jis mėgsta gimtosios Katalonijos žanrinius paveikslus, peizažus ir jūros peizažus, charakterio studijas ir natiurmortus.
Pietinėje Rusijoje, prie Kaspijos jūros, užauginta meniškai talentingų šeimų, Andre Kohn vaikystė pasižymėjo natūraliu kalnų ir jūros spindesiu ir nevaržoma prieiga prie visų kūrybinių menų. Kohno tėvai taip pat ragino savo sūnų piešti ant bet kokio paviršiaus, įskaitant tapetus savo namuose, kuriuos jie paprasčiausiai pakartojo, kai jis užaugo, kad būtų palankus eskizų knygoms.
Jo tėvas, Rusijos armijos pulkininkas, buvo pirmasis kandidatas, dalyvavęs karininkų mainų programoje po šaltojo karo JAV oro karo koledže Montgomeryje, Alabamos valstijoje. 1993 m., Kai Kohnas buvo Amerikoje, lankydamas savo tėvus, jo tėvas paskelbė apie savo ketinimą išvykti į JAV. Staiga jaunas menininkas suprato, kad jam niekada nebus leista grįžti į tėvynę.
Amerikos meno auditorijai ir žiniasklaidai prireikė nedaug laiko atrasti brandų, šviežią figūrinį jauno ruso tapybos stilių. Pirmasis jo vieno žmogaus pasirodymas Amerikoje sukėlė tiesioginį susidomėjimą jo darbu ir padėjo supažindinti Kohną su įvaikintos šalies auditorija.
Kohnas išlieka svarbiausiu figūrinio impresionizmo lyderiu, siekiančiu suvokti žmogaus formos sudėtingumą, paprastumą ir tiesiogiškumą.
Nepaisant nepakartojamo Kohno padėklo, asmeniškai išplėtoto stiliaus ir unikalių formos interpretacijų, jo išsilavinimas yra patvarus. Iš savo namų Arizonoje Kohnas keliauja po pasaulį įkvėpimo, periodiškai grįždamas į Prancūziją tęsti formalių, klasikinių studijų.
Duma gimė Lisabonoje, 1973 m. Gyvena ir dirba Oeiras mieste, Portugalijoje. Ji studijavo reklamą IADE (vizualusis menas, dizainas) & Marketigo institutas), taip pat studijavo tapybą ir piešimą Nacionalinėje dailės draugijoje, Lisabonoje.
„Moteriška figūra yra kažkas natūralaus mano kūryboje, tai tarsi mano kūrinys, vaizduojamas kiekvienoje drobėje. Man patinka žiūrovui parodyti tik nedidelę visos scenos dalį. Man patinka palikti erdvės žiūrovo vaizduotei. Kiekviename kadre yra neribota veiksmų, minčių ir emocijų visata, kiekvienas personažas parodo mums tik šiek tiek savo asmenybės, tai tarsi sustingęs filmo kadras ar akimirkos fotoaparatas.
Mane visada traukė atstovauti žmogaus figūrai, ypač portretams. Tačiau toks portretas, kurį noriu perteikti, nėra konkrečiai niekam skirtas, aš nenoriu pateikti konkrečios tapatybės, tiesiog noriu parodyti bendrą moteriškumo jausmą.
Atimdamas akis, apgaubiu veikėją paslaptimi, padarydamas jį abstraktesnį, priversdamas žiūrovą kurti aplinkui istoriją. Tai papildo mano pasirinktas kadras ir paprastas bei aiškus fonas. Kiekvienas iš jų leidžia žiūrovui pasitelkti savo vaizduotę ir suteikia unikalią ir individualią tapybos patirtį “.
Kalifornijoje gyvenančio menininko Oliverio Vernono paveikslai remiasi neįtikėtinai įvairiomis įtakomis – nuo abstraktaus ekspresionizmo iki post -siurrealizmo ir nušlifuoto vaizdinio realizmo..
Kiekvienas paveikslas turi savo taisyklių rinkinį, tiksliau, taisyklės yra išlenktos, sulaužytos ir galiausiai suformuotos kiekviename paveiksle. Spalva, forma, energija, architektūra, gėris, blogis, kūnas ir mašina slepiasi niekada ne kaip fizinės esybės, o kaip laikini archetipai, ieškantys savo galutinės vietos kosmoso rėmuose.
Jo darbai yra daugelio kolekcijų, įskaitant Metropoliteno meno muziejų, dalis.
Šviečiantis Richardo Johnsono kūrinio grožis ir lyriška kokybė šiandien žavi kolekcionierius. Senųjų meistrų techninis virtuoziškumas, romantizmas prieš Rafaelį, šiuolaikinis ekspresionizmas ir abstrakcija-visi kartu sukuria unikalius, jaudinančio gilumo ir meniškumo kūrinius..
Čikagoje, menininkų šeimoje gimęs, ankstyviausi jo prisiminimai liejasi per Charleso Dana Gibsono, NC Wyeth ir John Singer Sargent knygas lietingomis popietėmis. Dar mokydamasis vidurinėje mokykloje jis laimėjo stipendiją prestižiniam Čikagos meno institutui. Vėliau jis lankė Amerikos dailės akademiją ir baigęs studijas pradėjo labai sėkmingą iliustratoriaus karjerą, prieš tapdamas apdovanojimus pelniusiu dailininku.
Neabejotini Johnsono teptuko potėpiai, drąsus spalvų ir impasto naudojimas bei subtilus žmogaus veido ir formos perteikimas – visi kartu harmoningai sukuria „poetinį intymumą“.
Vaikai paplūdimyje Sally Swatland paveikslai. Sally gimė 1946 m. Vašingtone, o būdama septynerių persikėlė į Grinvičą, Konektikutą. Ji su šeima dalijosi aistra paplūdimiams, saulei ir grynam orui. Dauguma vasaros dienų buvo praleistos paplūdimyje žaidžiant potvynio baseinuose, persekiojant minas, renkant kriaukles ir tyrinėjant.
Baigusi dailės studijas Mount Saint Vincent koledže, šešerius metus (1969–1974) Niujorko meno studentų lygoje studijavo formalų piešinį. Sally ištekėjo būdama dvidešimties ir savo pirmąją „paplūdimio sceną“ nutapė būdama nėščia su pirmagimiu. Sally puikiai prisimena tą laiką:
Tai buvo nelaimingas atsitikimas, kai galvojau apie vaikų piešimą paplūdimyje. Meno studentų lygoje mokiausi figūros ir peizažo tapybos ir šiek tiek ieškojau man įdomios temos. Kol buvau nėščia su savo pirmuoju vaiku, vieną dieną su mama nuėjome į paplūdimį ir padariau keletą nuotraukų, kuriose vaikai žaidė balose. Grįžau namo, nupiešiau nedidelį paveikslą ir parodžiau jį kai kuriems žmonėms. Atsakymas buvo labai padrąsinantis. Jiems patiko paveikslo jausmas. Tą vasarą dar keletą nutapiau.
Šviesi tapyba arba šviesus grafiti, kaip kartais vadinama, yra nauja kūrybinės fotografijos riba. Tai yra auganti tendencija „Flickr“ ir kitose nuotraukų bendrinimo svetainėse. Dažnai naudojant ekstremalias užrakto greičio vertes (įskaitant užrakto atidarymą neribotą laiką), šviesą skleidžiantys objektai tampa teptukais ant fotografo drobės.
Fotografai naudojasi savo žiniomis apie įvairias spalvas, kurias sukuria įvairios šviesos, ir kaip jos sąveikauja su baltos spalvos balanso nustatymais. Šviesūs dažų teptukai gali būti tokie paprasti kaip blykstės lemputė, lazerinis rašiklis, senas žibintas ar net blykstė be fotoaparato kartu su spalvotais geliais. Žodžiu viskas, kas skleidžia šviesą, gali būti naudojama kaip teptukas.
René Magritte gimė XIX amžiaus pabaigoje Lessines mieste, Belgijoje. Ankstyvame amžiuje jis parodė didelį talentą ir susidomėjimą menais, o 1916 m. Įstojo į Karališkąją dailės akademiją Briuselyje. Pirmuosius jo paveikslus daugiausia paveikė impresionizmas, futurizmas ir figūrinis kubizmas, o pagrindinė jo ankstyvųjų darbų tema buvo nuoga moteris. Tačiau Magritte visame pasaulyje išgarsėjo savo siurrealistiniais paveikslais, kuriuos labai paveikė pasąmonės patirtos traumos emocijos, kurias jis patyrė matydamas savo motinos savižudybę būdamas 14 metų..
1922 m. Susituokęs su savo vaikystės mylimąja ir tarnavęs Belgijos armijoje, Rene Magritte dirbo dizaineriu tapetų gamykloje. 1926 metai buvo lūžis jo karjeroje, kai sutartis su galerija Briuselyje leido jam visiškai atsidėti tapybai.
Visuotinai pripažįstama, kad Magritte savo pirmąjį siurrealistinį paveikslą sukūrė 1926 m. Šis ankstyvasis siurrealistinis kūrinys buvo pristatytas jo pirmojoje personalinėje parodoje Briuselyje 1927 m., Tačiau šou sulaukė gana griežtos kritikos. Nusivylimas šou paskatino Rene Magritte persikelti į Paryžių, kur jis susipažino su Andre Breton ir oficialiai prisijungė prie siurrealistinio judėjimo. Per trejus savo gyvenimo Paryžiuje metus Rene Magritte išaugo į pagrindinę judėjimo veikėją, eksponuojančią iliuzinę ir konceptualią siurrealizmo versiją. Vis dėlto jo darbas dar nebuvo plačiai pripažintas, ir jis buvo priverstas grįžti į Briuselį ir toliau dirbti reklamos srityje po to, kai jo Briuselio galerija buvo uždaryta ir nutrauktas įprastas pajamų šaltinis..
Netrukus sekė Antrasis pasaulinis karas, kurį Magritte praleido Briuselyje. Dėl sunkios padėties jo ryšiai su Bretonu, taigi ir siurrealistais, nutrūko, o tapytojas trumpam nukrypo į kitokį ryškių spalvų vaizdavimo stilių, reaguodamas į niūrią užimtą aplinką, kurioje jis gyveno. karo, jo stilius tyrinėjo kitas išraiškos priemones, tačiau 1948 m. pabaigoje Magritte tikrai grįžo prie siurrealizmo. Jo ypatinga siurrealizmo forma ir toliau vystysis iki gyvenimo pabaigos.
1967 m. Rugpjūčio 15 d., Būdamas 68 metų, Rene Magritte mirė nuo kasos vėžio savo namuose Briuselyje..
Rene Magritte siurrealizmas
Siurrealistiniai Rene Magritte paveikslai padėjo pagrindą konceptualiam menui ir paveikė vėlesnius meninius judesius, tokius kaip pop menas ir minimalus menas.
Jo paveikslai dažnai vaizduoja kasdienius daiktus savitoje aplinkoje, kuri atskleistų naujas reikšmes žinomuose dalykuose. Viena iš „Magritte“ sukurtų piktogramų yra paveikslas „Vaizdų išdavystė“, kuriame yra puikus vamzdis, puikiai nupoliruotas ir realistiškai pavaizduotas su įdomiu užrašu žemiau: „Tai ne pypkė“ – „Ceci n’est pas une pipe“. Greitas oksimoronas, kuris pasitvirtina, nes paveikslas iš tikrųjų nėra vamzdis, tai tik vamzdžio vaizdas – plokščias, dažytas paviršius. Šis reprezentacinio ir tikrojo daiktų pobūdžio klausimas kėlė daug klausimų apie meno ir meno objektų prigimtį, parodydamas iš esmės konceptualią esmę.
Magritte naudojo tą patį modelį, vaizduodamas obuolį, neigdamas jo egzistavimą. Jo paveiksluose dažnai kartojamas motyvas ant molberto, pabrėžiant tapybos meno reprezentacinio pobūdžio sunkumą ir paradoksą..
„Magritte“ siurrealizmas nėra pagrįstas automatizmo principais ir paprastai tiria išankstines tikrovės idėjas. Tačiau jo poetinei vaizduotei įtakos turi jo paties pasąmonė, ypač kartojant uždengto veido motyvą – traumos relikviją, kai ji matė mirusią motiną, ištrauktą iš upės, suknele susipynusią aplink veidą. Jis nuolat žaidžia su iliuzija, vaizduodamas savo vidinius konfliktus ir apmąstymus, susijusius su motinos mirtimi.
Rene Magritte paveikslų sąrašas
Netikras veidrodis
Vienas garsiausių Rene Magritte paveikslų. Čia menininkai primena, kaip žmogaus regėjimas yra ribotas, kai veidrodis reiškia fizinį atspindį, o akis yra selektyvaus ir subjektyvaus asmeninio požiūrio simbolis. Jis yra daugiasluoksnis, nes akį galima pažvelgti, pažvelgti ir pažvelgti.
Didžioji šeima
Pavadinimas reiškia paslaptį, nes nėra pavaizduotos šeimos. Paaiškinimas slypi tame, kad Magritte patiko suklaidinti visuomenę. Skraidantis paukštis gali būti meilės ir harmonijos simbolis, sukeliantis emocijas, atspindinčias jo šeimos sampratą.
Call of Peaks
Vienas iš tipiškų Rene Magritte kraštovaizdžių, priklausantis paveikslų serijai su pavaizduotu molbertu. Jam patinka žaisti su iliuzija ir dviguba vaizdų prasme, kur molbertas yra šio dvilypumo simbolis ar nešėjas.
Stiklo raktas
Šio paveikslo pavadinimas yra pasiskolintas iš Hammett romano „La clef de verre“. Įkvėptas grožinės literatūros, Magritte užvedė poetinį valstybės dialogą ir žodžių bei vaizdų dinamiškumą, kurį pateikė vaizduojama uola, pavadinimas ir jų sąsajų keblumas.
Golconda
Žmogus, krintantis iš dangaus, yra tas pats kepurės žmogus, kuris pasirodo filme „Žmogaus sūnus“. Šis paveikslas atspindi Magritte’o individualumo tyrinėjimą prieš kolektyvą ir tai, kaip jis lengvai prarandamas. Visi vyrai dėvi tuos pačius drabužius, atrodo vienodi ir krenta vienodai. Bet ar jie visi yra identiški, ar ne? Tai yra pagrindinė problema, verčianti mus pagalvoti apie šį puikų kūrinį.
Hėgelio šventė
Šis išradingas objekto prigimties tyrinėjimas įkvėpė Rene Magritte pavadinti paveikslą Hegelio švente, kaip pats menininkas rašė 1958 m..
Asmeninės vertybės
Kitas ikoniškas Magritte’o darbas. Kambarys, supakuotas su pažįstamais daiktais, visi išsprogę, nepaisydami sveiko proto. Negabaritinis veiksmas suteikia naują prasmę smulkiems, žinomiems dalykams, todėl perima kasdienybę ir tampa didesnė už gyvenimą. Šiame paveiksle yra daug prasmės gijų, susijusių su kiekvieno žiūrovo Magritte’o šiuolaikiniu ar mumis šiandien.
Žmogaus sūnus
Ikoninis Rene Magritte žmogus. Kas jis? Ar tai autoportretas? Galbūt, o gal tai yra kiekvienas dirbantis, vidutinis vyras. Jo veidas padengtas obuoliu, blokuojantis jo regėjimą, kurį menininkas paaiškina žodžiais: „Tai kažkas, kas vyksta nuolat. Viskas, ką matome, slepia kitą dalyką, mes visada norime pamatyti tai, ką slepia tai, ką matome “.
Le Beau Monde
Šis paveikslas, išryškinęs ribas tarp interjero ir eksterjero, turi visus žinomiausius asmeninės Magritte ikonografijos bruožus – uždangą, obuolį ir mėlyną dangų su debesimis. Gražus pasaulis yra unikali vieta, alsuojanti dalykų, kurių siekiame, simboliais.
Įsimylėjėliai
Nusivylimas troškimais dažnai pasirodo kaip Rene Magritte paveikslo tema. Užuolaidos neleidžia intymiems dviejų žmonių susitikimams, paverčia meilės sceną nepasitenkinimo scena. Menininkai kelia klausimą, kiek iš tikrųjų pažįstame kitus žmones, net ir artimiausius.
Ikonografija kilusi iš vaikystės patirtų traumų, kai matė, kaip jo mirusi motina buvo ištempta iš upės uždengtu veidu.
Vaizdų išdavystė
Turbūt garsiausias Rene Magritte paveikslas ir neabejotinai revoliucingiausias. Apie šį simbolinį įvaizdį menininkas sakė: „„ Garsusis pypkė. Kaip žmonės man dėl to priekaištavo! Ir vis dėlto, ar galėtumėte prikimšti mano pypkę? Ne, tai tik reprezentacija, ar ne? Taigi, jei būčiau parašęs ant savo paveikslo „Tai pypkė“, aš meluočiau!
Vincentas van Gogas šiandien laikomas vienu ryškiausių menininkų istorijoje. Plačiai žinoma, kad jis turėjo sunkų ir liūdną gyvenimą, stengėsi išgyventi ir bandė įveikti savo trapią psichinę būseną, tačiau, nepaisant to, kad buvo labai susirūpinęs, per savo trumpą ir nepaprastai produktyvų gyvenimą jam pavyko sukurti apie 900 paveikslų. Pasaulyje nėra meno entuziastų, kurie nebūtų matę Van Gogo „Saulėgrąžų“ ar „Žvaigždėtos nakties“.
Vincentas Van Gogas gimė 1853 m. Olandijoje kaip ministro sūnus. Jo šeimos nariai pagal profesiją buvo ne menininkai, o dvasininkai ar meno prekeiviai. Nors jo brolis Theo ilgainiui užims meno prekiautojo pareigas, Vincentas tam nebuvo skirtas. Pabandęs siekti šios darbo krypties, jam nepavyko, kaip ir atsisakė bet kurios kitos ne meninės karjeros, kurią jis išbandė-mokymo ar tarnystės. Pasijutęs nuolat apgailėtinas, jis nutraukė tradicijas ir išėjo ieškoti meno pasaulio.
Jo kelionė prasidėjo 1879 metais mažame kaimelyje Šiaurės Prancūzijoje, kur atskleidė tikrąjį savo pašaukimą, globojamas dailininko Juleso Bretono, žinomo dėl savo valstiečių paveikslų. Netrukus, 1880 m., Vincentas van Gogas išvyko į Briuselį studijuoti piešimo ir anatomijos Karališkojoje dailės akademijoje. Jis norėjo sekti pamokas tiek, kiek jam leido finansai, o tai buvo labai ribota didžiąją gyvenimo dalį. Jo pagrindinis rėmėjas buvo jo brolis Theo. Dėl savo karjeros ir privačių sričių Vincentas su tėvu nesusitarė – jis beveik visada buvo susijęs su įtartinomis moterimis ar paleistuvėmis.
Pirmasis išties ambicingas jo paveikslas buvo padarytas 1885 m.-„Bulvių valgytojai“, Van Gogho vizijos apie valstiečių tapybą santrauka, turinti stiprų socialinį turinį. Dėl tamsių tonų kūrinys nesulaukė didelės sėkmės meno rinkoje, nes Paryžiuje, meno pasaulio centre, menininkai tapė šiuolaikišku, spalvingu stiliumi.
Persikėlimas į Paryžių 1886 m. Pastūmės Van Gogą impresionizmo kryptimi. Jis greitai mokėsi ir susidraugavo su kitais menininkais, pavyzdžiui, Paulu Gauguinu. Jis aukščiausiai vertino Georgeso Seurato taurumą ir tikėjo, kad vieną dieną jis taps tapytoju.
Bendras susižavėjimas japoniškais „Ukiyo-E“ spaudiniais užklupo ir Van Goghą, o daug japoniško stiliaus nuorodų galima atsekti per visą šio meto kūrybą. Taip pat pastebimas ryškus Van Gogo paletės pasikeitimas, kuriame dabar naudojamos ryškesnės spalvos ir laisvi, nepoliruoti potėpiai.
1888 metų pradžioje Van Gogas persikėlė į Arlą Pietų Prancūzijoje. Vis dar norėdamas būti valstiečių tapytoju, jis pasiekė visai ką kita. Jo paletė pažodžiui sprogo ir tai buvo produktyviausias jo gyvenimo laikotarpis. Matydamas šviesą išskirtiniu būdu, Van Gogas vaizdavo ją daugelyje peizažų ir kitų paveikslų, kurie laikomi ankstyvojo modernumo piktogramomis. Greitai tapydamas sugebėjo per dieną pagaminti apie paveikslą, tačiau jo stilius net nebuvo gerai įvertintas.
Dešimtmečio pabaigoje Vincentas van Gogas vis dažniau sirgo psichine liga, tikriausiai epilepsija. Sulaužytas skurdo, neatlygintinos meilės ir bendro nestabilumo, jis vis labiau puolė į neviltį, o tai paskatino jį nutraukti savo gyvenimą 1890 m. Taip baigiasi viena liūdniausių meno istorijos biografijų, pasakojanti apie įspūdingą genijų, kuris per savo gyvenimą parduotas tik vienas paveikslas.
Vincento Van Gogo paveikslų sąrašas
Batų pora, 1886 m
Tvirta pora valstiečių batų sujaudino dvasią dar ilgai po Van Gogho mirties. Akivaizdi tema, įkvėpta jo ankstesnio darbo socialinio konteksto, bet ar tai tikrai buvo menininko batai? Net jei ne, jie yra simbolis jo kankinančiam gyvenimo keliui
1. Bulvių valgytojai, 1885 m
Norėdamas pavaizduoti valstiečius tokius, kokie jie yra iš tikrųjų, Vincentas van Gogas užbūrė šį kūrinį. Tai kalba apie sunkų gyvenimą, susietą su žeme, darbą, sąžiningumą ir skurdą.
3. Autoportretas kelyje į Taraskoną, 1888 m
Vienas iš daugelio Van Gogo autoportretų, tačiau šį kartą nufotografuotas be veidrodžio. Čia menininkas vaizduoja savo kasdienybę, kelią į darbą ir aplinką. Veido nematyti, tačiau prekybos įrankiai neabejotinai apibrėžia šį žmogų kaip Van Gogą.
4. Sėjėjas su besileidžiančia saule, 1888 m
Sėjėjas, dirbantis besileidžiančios saulės apšviestame fone, yra nuostabus paveikslas iš jo vadinamosios kviečių serijos, įkvėptas tuo metu taip madingo japonizmo. Dviejų dimensijų japonų spauda randama Saulės apskritime, o šakotas medis-pirmame plane.
5. Natiurmortas – Vaza su penkiolika saulėgrąžų, 1888 m
Vienas iš saulėgrąžų paveikslų serijos. Antroji saulėgrąžų vazoje serija buvo įvykdyta keliomis versijomis Arle 1888 m., O pirmoji – Paryžiuje, kur saulėgrąžos guldomos ant žemės.
6. Žvaigždėta naktis, 1889 m
Kai vartojamas terminas postimpresionizmas, jis dažnai nurodo šį paveikslą. Vincentas van Gogas jį nutapė gydydamasis sanatorijoje Saint-Rémy-de-Provence. Tai buvo jo vaizdas pro langą, bet visi turi sutikti, kad menininkas įsivaizdavo pasaulį už realybės ribų, gražų, jaudinantį ir energingą, kaip išeitį iš savo sunkumų.
7. Kėdė, 1889 m
Van Gogas padarė du kėdės paveikslus – šį ir Gauguino kėdę. Ši kėdė primena Provansą, kur jis tuo metu gyveno, ir yra pavaizduotas su dailininko pypkė ant sėdynės.
8. Kviečių laukas su kiparisais, 1889 m
Kaip ir kiti paveikslai iš kviečių lauko serijų, šis buvo padarytas, kol Van Gogas buvo sanatorijoje. Teptuko paspaudimai yra energingi ir puikiai vaizduoja judėjimą tiek, kad žiūrovas galėtų pajusti, kaip vėjas pučia kraštovaizdį.
9. Autoportretas su surišta ausimi, 1889 m
Šis portretas buvo įvykdytas po to, kai Van Goghas nukirto ausies krapštuką po smurtinio ginčo su savo draugu ir stabu Pauliu Gauguinu. Van Gogas tikėjo, kad tapyba padės jam sukurti psichinę pusiausvyrą.
10. Irisai, 1889 m
Irisai buvo vienas iš dalykų, kuriuos Van Goghas nutapė sanatorijoje prieš metus iki jo mirties. Šis darbas buvo atliktas prieš psichinį priepuolį prieglobstyje. Vėliau paveikslas buvo išsiųstas Theo van Goghui.
